Journée d’Étude: La Musique et les Sciences Sociales: 8 Avril à l’EHESS

– Résumés des communications des membres du Collectif –

Camille DROUET: Étude des pratiques de présentation et de représentation de la composition musicale au travers de la relation image et son en live des années 2010 à nos jours

Cette recherche propose de prolonger l’étude de la relation entre le son et l’image numérique dans la pratique musicale au travers du live et de son expérience scénographique. La relation qui nous intéresse est celle d’une imagerie développée en temps réel et émanant directement de l’esthétique d’une création musicale, initiée par le compositeur lui-même. Il est évident que les hypermédias opèrent dorénavant un net rapprochement entre entités sonores et visuelles, entrainant ainsi un renouveau dans la scénographie du concert. Ces transformations, issues du « paradigme numérique »[1], font apparaître de nouvelles problématiques concernant l’esthétique dans le travail de composition, la redéfinition du système musical mais aussi la réception même du concert par le public et les institutions. Cette unification de médiums aboutit, de fait, à l’émergence de nouveaux objets musicaux dans le but de souligner le caractère performatif d’une œuvre multi sensorielle. Les compétences du compositeur sont ainsi multipliées tant par la mise en dialogue avec un autre médium, que par une technicité nouvelle résultant du rapprochement entre le son et l’image. La manipulation de la forme sonore peut s’opérer à partir de la représentation visuelle, impliquant tout à la fois une imprévisibilité de réponse, une manipulation nouvelle entre les logiciels de programmation et les données audiovisuelles mais aussi un comportement autonome de la machine. Ce renouveau de l’expérience musicale nous pousse à nous interroger entre autre sur la signification ajoutée à l’écoute dans un contexte de performance novateur. L’écran reste le principal support d’un aller retour constant. Il devient ainsi la projection même de l’influence mutuelle que peuvent avoir ces deux mediums lors du live. Cette présentation tachera dans un premier temps de dresser les diverses conceptions scénographiques étudiées lors des terrains d’étude, le cas de la performativité de l’œuvre et de son interface permettra, à partir d’auteurs clefs comme Hervé Zénouda ou Jean Yves Bosseur, d’envisager une approche kinesthésique de la composition musicale et imagée. Enfin, nous tacherons aussi de dresser les nouveaux modes de présentation et de représentation de la composition musicale sur scène.

[1] Delalande François, Le son des musiques : Entre technologie et esthétique, Broché, Paris, 2001.

Léo BAQUÉ: Musique et perception, chez Pierre Schaeffer et au delà

Une théorie de la musique moderne se doit de prendre en charge l’aspect le plus élémentaire dans l’émergence du phénomène musical, sa perception. C’est le parti qu’avait pris Pierre Schaeffer, dès la parution de son « Traité des Objets Musicaux ». Adoptant une démarche critique vis à vis de ses contemporains, scientifiques, acousticiens mais aussi musiciens, qui cherchent à trouver des équivalences parfaites entre le signal sonore (physique) et la perception qui s’y associe, il tente de prévenir les raccourcis trop faciles qui menacent selon lui une compréhension optimale du phénomène. Nous examinerons en premier lieu comment il déconstruit les équivalences fréquence-hauteur, temps-durée, ou encore le concept même de timbre. Ensuite, nous verrons de quelle manière, en piochant tour à tour dans la linguistique, le structuralisme ou la phénoménologie, il développe des concepts opératoires de forme, fond, objet, structure, trait pertinent pour fonder une théorie de la musique qui généralise le rapport classique timbre / hauteur par le couple caractère / valeur dans sa loi du musical, dite de permanence / variation. Nous verrons ensuite comment toutes ces idées trouvent leur prolongement dans les modèles contemporains en psychologie cognitive et théorie des perceptions. Nous aborderons la littérature actuelle en neuro-physiologie de l’audition, l’analyse des scènes auditives (Bregman), la perception catégorielle (Harnad) et les modèles de la mémoire appliqués à la perception musicale (Snyder).

Samuel LAMONTAGNE: L’écoute dans les musiques interactives

Le spectateur ne se situe jamais dans un rapport frontal à la musique ou dans une réception passive de celle-ci, mais en est véritablement producteur par la mobilisation active d’une posture d’écoute qui met en jeu le déploiement d’un corps et d’une oreille entrainés et sensibles, en relation à la musique. L’écoute musicale passe par des représentations, des médiations, des pratiques, des savoir-faire qui, maitrisés en commun rendent l’expérience de la musique possible. L’expérience musicale s’ancre donc de manière pragmatique dans une situation d’écoute, dans un contexte de réception dont elle ne peut être dissociée. Les dispositifs de musiques interactives réagissent1 aux perceptions et aux actions des spectateurs, celles-ci influant directement sur la musique. L’interaction engage donc le spectateur dans un rapport dialogique sans cesse réactualisé avec le dispositif, et agit en temps réel sur la réception et sur la création même de la musique. Après avoir présenté de manière générale les musiques interactives, l’histoire de leur développement et l’ambition politique de leurs précurseurs qui visait à extraire le spectateur d’une présumée passivité, la communication proposée tentera d’interroger l’écoute dans ces musiques. Comment différencier les musiques interactives des musiques non-interactives ? Quelle relation à la musique et à son expérience implique l’engagement dans l’interactivité ? Si toute écoute est active, peut-on parler d’une écoute interactive ? Alors quelles sont les modalités et les médiations d’une telle écoute et comment appréhender la relation homme/technologie qui la supporte?

Arthur PERINI: Virtuel. Réflexion organologique sur les processus de détermination des mondes de la musique en régime numérique

Cette communication vise à interroger l’usage de la notion de virtualité dans la description, mais aussi l’explication des usages et des représentations prenant formes à travers la techno-écologie des mondes de la musique. En nous référent à l’étymologie du terme virtuel, nous tenterons de dégager de nouveaux problèmes à poser face aux études du fait musical en régime numérique. Ces « problèmes » aux implications sémiotiques, sémantiques et ontologiques seront interrogés de manière à les construire en problématiques. Cette « ambiguïté sémantique » du virtuel entre différents temps et modes d’usages de ce terme nous servira à analyser les structurations techniques et historiques des savoirs sociaux en jeu dans l’appropriation collective des dispositifs socio-numériques de la médiation musicale, nommée numérimorphose (Le Guern, 2012). Cette déconstruction d’un syntagme à ce jour largement employé tant dans les milieux spécialisés que dans ceux qui ne se réclament pas de cette spécialisation spécifique sera effectivement suivie par une proposition de refonte d’outils terminologiques et de modèles d’analyses pouvant s’employer à qualifier des phénomènes perceptifs tant collectifs qu’individuels. Ainsi nos principales propositions viseront à réagencer l’emploi en sciences sociales de notions tout aussi problématiques, mais bien souvent employée sans la vigilance épistémologique que nous tenterons d’installer, que celles de technologie(s), de conscience et de présence dans les mondes de la musique en régime numérique.

Gaja MAFFEZZOLI: « Je crée donc de joue » Une approche nouvelle à la pédagogie de création pour les jeunes à travers les technologies numériques

Le développement des technologies informatiques, surtout au cours des vingt dernières années, a permis l’émergence d’une nouvelle pédagogie de création dans le domaine de l’enseignement de la musique. L’ordinateur ou la tablette tactile constituent un environnement de travail avec des caractéristiques précises qu’on pourrait définir par le terme « d’affordances » qui offrent des possibilités d’action et qui se révèlent un élément fondamental dans le parcours d’apprentissage et de création. Nous analyseront les outils (donc les affordances et les manières de faire), les acteurs (enfants, musiciens et non), la nature des dispositifs pédagogiques existants, les enjeux, les objectifs, la notion de « feedback » et d’« accident » et leurs fonctions « instructives », leurs effets dans une relation pédagogique. Nous souhaiterions mettre en perspective les études sur l’impact et les effets de ces technologies dans le rapport aux savoirs et objets musicaux contemporains. Comme sortie et ouverture de cette enquête, nous analyserons le statut de la notation et de l’écriture, leurs rapports contemporains, leurs transformations réciproques dans ces différents parcours. Notre recherche sera donc aussi théorique que pragmatique. Elle visera un équilibre instable et, nous espérons heuristique, entre une pensée ancrée dans le monde des musiques actuelles, une partie de l’histoire de la musique et les pratiques sur support numérique.

UNE INSTALLATION INTERACTIVE SERA PRÉSENTÉE EN FIN DE JOURNÉE

Dossier de présentation de l’installation DENSITY

Programme complet de la journée d’étude JE 2016 Programme


Laisser un commentaire

Votre adresse de messagerie ne sera pas publiée. Les champs obligatoires sont indiqués avec *